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还是西方的室内歌剧院，要让现场所有听众听清自己的歌声，不用高频共鸣峰是不可能做到的。
目前的科学研究认为，歌手在演唱时会有高频共振峰，原因在于喉腔（这也是为什么男歌手的高频共振峰比女歌手低一些——因为男人有喉结，喉腔普遍要大一些）。
而在较早的年代，东西方交流还不多的时候，西方人认为产生共鸣峰必须降低喉位，让喉腔成为一个单独的共鸣腔——实际上，共鸣峰的产生和喉位没有任何关系。中国的很多戏曲演唱，都利用了共鸣峰，但却是用高喉位在唱。
事实上，虽然现代的研究知道了高频共振峰源于喉腔，但目前只是知其然不知其所以然。
很多不同的声乐技术，目的就是追求共振峰（即让泛音在共振峰附近丰富有力）。从人的自身感受来说，共振峰明显时，体内会感觉到一个共鸣点，仿佛那个地方在发声一样，而听众听起来，会觉得声音有焦点，或者说，有芯。共鸣点位置的不同，往往形成不同唱法流派。
那么，怎样才能使歌声的泛音丰富有力呢？（注意，这里说的是泛音，而不仅仅是高频泛音）
还是那个简单的道理——人绝对意义上提升音量，终究是有极限的，只能通过共鸣这种高效方式来实现——人的共鸣腔通过锻炼，是可以灵活多变的。
如生理解剖学的知识，人体共鸣腔可以划分为喉腔（或者说咽腔）、鼻腔、口腔。
口腔除了嘴巴和舌头，都是不易形变的，一般来说，无论说话还是唱歌，吐字的基本技巧就是通过口腔形状的改变来实现的。（也正因为嘴舌非常灵活，甚至可以形成单独共鸣腔，从而创造了呼麦的唱法，当然，这里还是不讨论这个）
于是，多数声乐技术，就是通过改变喉腔和鼻腔在发声过程中的具体作用来实现的。传统的共鸣划分，有胸腔共鸣、声道共鸣、头腔共鸣。
实际上，胸腔共鸣是不存在的——在气流经过声带形成振动之前，怎么可能有共鸣？它其实属于喉腔共鸣；声道共鸣，就是喉腔共鸣；头腔共鸣，就是鼻腔及其周围区域的共鸣（如额窦、蝶窦）。注意，鼻腔共鸣不是指气流经过鼻腔，从鼻子里出来。
人在演唱时，嗓子是打开的（所以唱歌前有开嗓的概念），打开的嗓子，喉腔的体积相对来说是很大的。任何一种共鸣，都是喉腔起主要作用，其他地方则相当于微调——共鸣的作用：喉腔>口腔>鼻腔>其他。当然，微调的结果往往给人的自身感受，会觉得共鸣的关键在别的地方，而非喉腔（比如，面罩共鸣什么的，就是如此）。这也是在科学研究不够深入时，前人总结经验时会搞出错误的命名的原因。注意，这里不是说微调不重要，只是从科学的角度解释一下原理，毫厘之别，往往也是相差千里的。
数学、物理、生物方面的准备知识说得差不多了，接下来结合具体的声乐概念。
如一般大家熟知的唱法大类划分——美声、民族、通俗。
美声唱法，在数学模型上的体现，就是第一重视低频泛音的共鸣，第二重视接近高频共鸣峰的泛音的共鸣。
民族唱法，在数学模型上的体现，就是第一重视接近高频共鸣峰的泛音的共鸣，第二重视比高频共鸣峰更高的泛音的共鸣。
通俗唱法，在数学模型上的体现，就是什么都不重视。（这是相对的说法，不是说通俗无共鸣，而是没有特别侧重的方向）
为什么会这样？其实也不奇怪。
在扩音器出现之前，不存在通俗唱法——如前面所说，第一要务，不是唱得多好，而是让现场所有人听到你的声音。所以来自西方的美声唱法，源于戏曲和山歌的民族唱法，都很重视泛音的共鸣。（为什么一些人觉得民族歌手是晚会歌手？不是因为他们只在晚会上唱，而是晚会那样的场合，通俗歌手在唱法侧重上就天然有劣势。然而，现场录音却体现不出这个差距——在而今的科技哭强下，现场听歌，和听现场录音视频，仍然是不同的事情。当然，如果你去现场不是为了听歌，而是为了看人，那就另当别论了。）
当扩音器发明之后，当录音技术逐渐成熟时，当听歌途径越来越丰富了，“让声音能够传得远”就不再是歌手的必修课了。极端地说，麦克风让无共鸣的唱法能够成立了（当然，在相同科技支持下，有共鸣还是永远比无共鸣好）。
如果只强调音量、音色、持久力、穿透力等等因素，美声唱法必然是最科学最优秀的唱法，但是需要牢记，流行音乐绝大多数是有歌词的。不同的语言，唱歌时咬字的难点是不同的。美声唱法对于唱中文歌来说，咬字难度非常大，在咬字清晰自然的前提下，要唱得很优美，是极难实现的（这也是为什么在很长一段时间里，金铁霖老师发明的民族唱法会在“江湖”中取得主流地位，因为民族唱法很适合中文咬字）
这大约就是有得必有失了。
通俗唱法相比其他两种唱法，最本质的特点，就是学习门槛低，不需要强调混声啊，共鸣啊什么的需要长期训练的声乐技术，但对真声（即本嗓）的运用，对咬字技巧的雕琢，却比其他两种唱法细致得多。这也是许多人觉得通俗唱法更具有多样性的原因。不过，强调真声的运用，不意味着彻底放弃泛音共鸣——通俗唱法的高手，泛音同样是丰富有力的。
总的来说，三种唱法之间，只有差别，没有差距。声乐技术属于硬唱功，是为了演唱具体歌曲而作的技术储备。世界上只有适合具体歌曲的唱法，没有绝对先进的唱法。或者说，一种唱法只要能够完美演绎一首歌曲，它就是先进的唱法。
一个真正优秀的歌手，理论上应该三种唱法都擅长，并且相互之间灵活兼顾，不仅是“跨界”，更应该“融合”。
以上的所有提到的声乐技术，都是基于共鸣和泛音的。最后说一个不同的——
蝶窦音：最难练习的声乐技术（甚至目前还不适合称为技术），并且不适合多练，目前没有科学的练习方法，发声机理也没有科学定论。世界上用得优秀的，只有曾经的玛丽亚·凯莉。
蝶窦音的可能原理：发声时气息明显经过蝶窦，而蝶窦涉及软骨，既非简单的共鸣腔，也不像硬骨那样作用微小。从绝对意义来说，任何人无论说话还是唱歌，都有蝶窦音，但基本忽略不计。
蝶窦音的特点：并非由共鸣产生，和一般声乐意义上的泛音不同，而是一种边缘音（气流经过固体边缘而产生的声音）——所以，蝶窦共鸣的说法是一种错误。实际听起来，蝶窦音像是带了混响器，很有立体感。但也正因为蝶窦音不是一般意义上的泛音，所以目前的音乐电器并不能完美模仿——也就是说，蝶窦音的魅力，只有现场听才会最好，哪怕是经过了话筒，也会一定程度上打折扣，并且是越优秀的蝶窦音折扣越大。
蝶窦音的缺点：基本靠天生，一般人强行练习很困难，并且过度练习会有诸多头部不适的副作用。长期频繁使用，容易造成嗓子不适，甚至损害中音质量。
当然，这并不是说蝶窦音就是什么声乐技术的传说级秘籍，请再一次牢记一点——任何声乐技术是为诠释歌曲而服务的。
在演唱一首具体的歌时，一种声乐技术是否应该运用，应该运用到什么程度，必须由歌曲本意、以及歌手想表达的情感决定。如果纯粹是为了秀技术而唱，结果只会是华而不实。
还是西方的室内歌剧院，要让现场所有听众听清自己的歌声，不用高频共鸣峰是不可能做到的。
目前的科学研究认为，歌手在演唱时会有高频共振峰，原因在于喉腔（这也是为什么男歌手的高频共振峰比女歌手低一些——因为男人有喉结，喉腔普遍要大一些）。
而在较早的年代，东西方交流还不多的时候，西方人认为产生共鸣峰必须降低喉位，让喉腔成为一个单独的共鸣腔——实际上，共鸣峰的产生和喉位没有任何关系。中国的很多戏曲演唱，都利用了共鸣峰，但却是用高喉位在唱。
事实上，虽然现代的研究知道了高频共振峰源于喉腔，但目前只是知其然不知其所以然。
很多不同的声乐技术，目的就是追求共振峰（即让泛音在共振峰附近丰富有力）。从人的自身感受来说，共振峰明显时，体内会感觉到一个共鸣点，仿佛那个地方在发声一样，而听众听起来，会觉得声音有焦点，或者说，有芯。共鸣点位置的不同，往往形成不同唱法流派。
那么，怎样才能使歌声的泛音丰富有力呢？（注意，这里说的是泛音，而不仅仅是高频泛音）
还是那个简单的道理——人绝对意义上提升音量，终究是有极限的，只能通过共鸣这种高效方式来实现——人的共鸣腔通过锻炼，是可以灵活多变的。
如生理解剖学的知识，人体共鸣腔可以划分为喉腔（或者说咽腔）、鼻腔、口腔。
口腔除了嘴巴和舌头，都是不易形变的，一般来说，无论说话还是唱歌，吐字的基本技巧就是通过口腔形状的改变来实现的。（也正因为嘴舌非常灵活，甚至可以形成单独共鸣腔，从而创造了呼麦的唱法，当然，这里还是不讨论这个）
于是，多数声乐技术，就是通过改变喉腔和鼻腔在发声过程中的具体作用来实现的。传统的共鸣划分，有胸腔共鸣、声道共鸣、头腔共鸣。
实际上，胸腔共鸣是不存在的——在气流经过声带形成振动之前，怎么可能有共鸣？它其实属于喉腔共鸣；声道共鸣，就是喉腔共鸣；头腔共鸣，就是鼻腔及其周围区域的共鸣（如额窦、蝶窦）。注意，鼻腔共鸣不是指气流经过鼻腔，从鼻子里出来。
人在演唱时，嗓子是打开的（所以唱歌前有开嗓的概念），打开的嗓子，喉腔的体积相对来说是很大的。任何一种共鸣，都是喉腔起主要作用，其他地方则相当于微调——共鸣的作用：喉腔>口腔>鼻腔>其他。当然，微调的结果往往给人的自身感受，会觉得共鸣的关键在别的地方，而非喉腔（比如，面罩共鸣什么的，就是如此）。这也是在科学研究不够深入时，前人总结经验时会搞出错误的命名的原因。注意，这里不是说微调不重要，只是从科学的角度解释一下原理，毫厘之别，往往也是相差千里的。
数学、物理、生物方面的准备知识说得差不多了，接下来结合具体的声乐概念。
如一般大家熟知的唱法大类划分——美声、民族、通俗。
美声唱法，在数学模型上的体现，就是第一重视低频泛音的共鸣，第二重视接近高频共鸣峰的泛音的共鸣。
民族唱法，在数学模型上的体现，就是第一重视接近高频共鸣峰的泛音的共鸣，第二重视比高频共鸣峰更高的泛音的共鸣。
通俗唱法，在数学模型上的体现，就是什么都不重视。（这是相对的说法，不是说通俗无共鸣，而是没有特别侧重的方向）
为什么会这样？其实也不奇怪。
在扩音器出现之前，不存在通俗唱法——如前面所说，第一要务，不是唱得多好，而是让现场所有人听到你的声音。所以来自西方的美声唱法，源于戏曲和山歌的民族唱法，都很重视泛音的共鸣。（为什么一些人觉得民族歌手是晚会歌手？不是因为他们只在晚会上唱，而是晚会那样的场合，通俗歌手在唱法侧重上就天然有劣势。然而，现场录音却体现不出这个差距——在而今的科技哭强下，现场听歌，和听现场录音视频，仍然是不同的事情。当然，如果你去现场不是为了听歌，而是为了看人，那就另当别论了。）
当扩音器发明之后，当录音技术逐渐成熟时，当听歌途径越来越丰富了，“让声音能够传得远”就不再是歌手的必修课了。极端地说，麦克风让无共鸣的唱法能够成立了（当然，在相同科技支持下，有共鸣还是永远比无共鸣好）。
如果只强调音量、音色、持久力、穿透力等等因素，美声唱法必然是最科学最优秀的唱法，但是需要牢记，流行音乐绝大多数是有歌词的。不同的语言，唱歌时咬字的难点是不同的。美声唱法对于唱中文歌来说，咬字难度非常大，在咬字清晰自然的前提下，要唱得很优美，是极难实现的（这也是为什么在很长一段时间里，金铁霖老师发明的民族唱法会在“江湖”中取得主流地位，因为民族唱法很适合中文咬字）
这大约就是有得必有失了。
通俗唱法相比其他两种唱法，最本质的特点，就是学习门槛低，不需要强调混声啊，共鸣啊什么的需要长期训练的声乐技术，但对真声（即本嗓）的运用，对咬字技巧的雕琢，却比其他两种唱法细致得多。这也是许多人觉得通俗唱法更具有多样性的原因。不过，强调真声的运用，不意味着彻底放弃泛音共鸣——通俗唱法的高手，泛音同样是丰富有力的。
总的来说，三种唱法之间，只有差别，没有差距。声乐技术属于硬唱功，是为了演唱具体歌曲而作的技术储备。世界上只有适合具体歌曲的唱法，没有绝对先进的唱法。或者说，一种唱法只要能够完美演绎一首歌曲，它就是先进的唱法。
一个真正优秀的歌手，理论上应该三种唱法都擅长，并且相互之间灵活兼顾，不仅是“跨界”，更应该“融合”。
以上的所有提到的声乐技术，都是基于共鸣和泛音的。最后说一个不同的——
蝶窦音：最难练习的声乐技术（甚至目前还不适合称为技术），并且不适合多练，目前没有科学的练习方法，发声机理也没有科学定论。世界上用得优秀的，只有曾经的玛丽亚·凯莉。
蝶窦音的可能原理：发声时气息明显经过蝶窦，而蝶窦涉及软骨，既非简单的共鸣腔，也不像硬骨那样作用微小。从绝对意义来说，任何人无论说话还是唱歌，都有蝶窦音，但基本忽略不计。
蝶窦音的特点：并非由共鸣产生，和一般声乐意义上的泛音不同，而是一种边缘音（气流经过固体边缘而产生的声音）——所以，蝶窦共鸣的说法是一种错误。实际听起来，蝶窦音像是带了混响器，很有立体感。但也正因为蝶窦音不是一般意义上的泛音，所以目前的音乐电器并不能完美模仿——也就是说，蝶窦音的魅力，只有现场听才会最好，哪怕是经过了话筒，也会一定程度上打折扣，并且是越优秀的蝶窦音折扣越大。
蝶窦音的缺点：基本靠天生，一般人强行练习很困难，并且过度练习会有诸多头部不适的副作用。长期频繁使用，容易造成嗓子不适，甚至损害中音质量。
当然，这并不是说蝶窦音就是什么声乐技术的传说级秘籍，请再一次牢记一点——任何声乐技术是为诠释歌曲而服务的。
在演唱一首具体的歌时，一种声乐技术是否应该运用，应该运用到什么程度，必须由歌曲本意、以及歌手想表达的情感决定。如果纯粹是为了秀技术而唱，结果只会是华而不实。